UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO
NOMBRE: Evelyn Cela
FECHA: 29/10/2015
Es uno de
los monumentos más populares de París, esta catedral en una iglesia de culto
católico, fue construida en estilo Gótico, y constituye uno de los edificios
más primitivos y señoriles. Esta edificación empezó en 1163 y se terminó en el
año 1345. Este
proyecto tubo el financiamiento de todas las clases sociales, lo que permitió
que se construya velozmente y sin interrupciones, A lo largo del proceso de
construcción participaron varios arquitectos en el proyecto, lo que hace evidente
las diferencias estilísticas presentes en el edificio.
Los
arbotantes de la catedral son una solución estructural típica de la
arquitectura gótica que deriva las presiones de las bóvedas hacia los
contrafuertes adosados al exterior de los muros.
A inicios
del siglo XIII se inician las obras de la fachada oeste con sus dos torres, los
brazos del transepto fueron edificados desde 1250 a 1267.
Esta
catedral tubo algunas modificaciones, así sepulcros y vidrierías fueron
destruidas con el propósito de estar más
a gusto del estilo artístico Barroco.
Con el
aparecimiento de la época romántica, la catedral se sometió a un programa de
restauración liderada por los arquitectos Eugene Viollet-le-Duc y
Jean-Baptiste-Antoine Lassus.
En 1991 se
inició otro proyecto de restauración y mantenimiento de la catedral con una
duración prevista de diez años.
La planta
esta demarcada por la formación en cruz
latina orientada a Occidente, de eje longitudinal acentuando, la cruz esta
incrustada en el edificio. La fachada presenta un conjunto proporcional,
reduciendo sus elementos a lo esencial, aunque con gran riqueza de detalles,
presenta tres niveles horizontales y está dividida en tres zonas. En la
organización de la fachada, que sigue un patrón jerárquico y geométrico, se
pueden distinguir la torre norte, la torre sur, la Galería de las quimeras, el
rosetón occidental, la Galería de los reyes y las puertas de acceso.
Esta catedral es un monumento histórico desde 1862 , y Patrimonio de la Humanidad desde 1979, se encuentra ubicada en el Centro-Val de Loira Francia, su construcción se la realiza en los años 1194- 1220, es estilo Gótico, esta catedral marcó un hito en el desarrollo del gótico, es influyente en muchas construcciones posteriores que se basaron en su estilo y sus numerosas innovaciones, como las catedrales de Reims y Amiens.
En el
lugar que actualmente es la catedral, anteriormente fue un altar con una gruta
dedicada a la Diosa Madre de la mitología druídica. De cualquier manera la
ciudad de Chartres ya era un centro de culto mariano y peregrinaje desde
tiempos atrás.
Anteriormente
hubo una iglesia por los años 360, esta desapareció en un incendio, una segunda
catedral es destruida por piratas en 858, un obispo reconstruyó y amplio esta
iglesia, de esta queda una capilla que forma parte de la actual cripta. En ésta
época es cuando la catedral recibe la reliquia de la túnica de la virgen María,
aumentando la importancia de aquel lugar, posteriormente fue destruida por
guerras, incendios, y el obispo Fulberto de Chartres inicia la construcción de
la cripta de una nueva catedral romántica, y que también fue destruida dejando
en pie las torres occidentales y la fachada entre estas y la cripta.
En la
edad media la catedral funcionó como escuela, el edificio no sufrió daños
durante la Revolución francesa. Las restauraciones sucesivas respetaron su
diseño original, gracias a lo cual el edificio ha llegado a nuestra época en un
estado de conservación muy superior a la mayoría de construcciones francesas de
la época.
El
edificio es de planta cruciforme con el cuerpo principal de 28 metros,
organizado en tres naves. La cabecera situada al este tiene un deambulatorio
radial con cinco capillas semicirculares. La bóveda central tiene 36m de
altura, la más alta hasta la fecha cuando fue construida.
CATEDRAL DE REIMS
Esta
catedral se ubica en Reims Francia, es de culto religioso, fue construida entre
los años 1211-1275 su estilo es Gótico. Construida
en el siglo XIII, después de las catedrales de París y de Chartres, pero antes
de las catedrales de Estrasburgo, Amiens y Beauvais, es de mayor importancia
tanto por su extraordinaria arquitectura como por su riquísima estatuaria, es
Patrimonio de la Humanidad desde 1991. La catedral de Reims era, el lugar de la
consagración de los monarcas de Francia.
El 6 de
mayo de 1211, el arzobispo de Reims Aubry de Humbert inicia la construcción de
la nueva catedral de Reims, para sustituir la catedral carolingia, destruida
por un incendio, se unieron a la obra cuatro arquitectos Jean d´Orbais, Jean-le-Loup,
Graucher de Reims y Bernard de Soissons, la catedral estaba acabada para
finales del siglo XIII con excepción de la fachada occidental, la torre
meridional tiene dos grandes campanas, una de ellas llamada Charlotte pesa más
de 10.000 kilos.
En la
guerra mundial fue bombardeada por los alemanes, se fundió todo el plomo de la
techumbre y se vertió por las gárgolas, los trabajos de restauración comenzaron
en 1919 bajo la dirección del arquitecto Henri Deneux.
Los tres
pórticos están cargados de estatuas y estatuillas, el pórtico mayor, dedicado a
la Virgen María tiene por encima un rosetón enmarcado en un arco en sí mismo
decorado con estatuas. Las fachadas del transepto están también decoradas con
esculturas. Las torres miden 86 metros de altura, entre las escenas
representadas están la lucha entre David y Goliat y la coronación de la Virgen
María.
La
catedral posee tapices, el transepto norte contiene un órgano en una llamativa
caja gótica. El reloj del coro está adornado con curiosas figuras mecánicas,
conserva vidrierías de los siglos XIII al XX.
CATEDRAL DE COLONIA
La
catedral de Colonia de estilo Gótico, comenzó a construirse en 1248 y se
terminó en 1880. Está situada en el centro de la ciudad de Colonia, es el
monumento más visitado de Alemania, es un edificio de 157 metros de altura,
declarado por la Unesco en 1996 Patrimonio de la Humanidad.Su
construcción se vio interrumpida en el año de 1510 por problemas económicos y
por falta de interés. A partir de entonces durante un siglo estuvo utilizada
como templo la parte ya terminada. A comienzos
del siglo XIX los románticos alemanes mostraron interés en la inconclusa
catedral, personalidades como Joseph Gorres y Sulpiz Boisseree impulsaron la
terminación, en 1842 se puso la primera piedra para la renovación de la
construcción. Finalmente, la inauguración de la catedral el 15 de octubre de
1880 no presentó la misma imagen de armonía.
Durante
la segunda Guerra mundial la catedral sufrió graves destrozos, aunque su
estructura se mantuvo intacta, se destruyeron vitrales. Desde hace muchos años
la catedral esta en proceso continuo de reparación, la contaminación
atmosférica y las palomas causas daños en la piedra, la catedral se construyó
con tres tipos de piedra una de ellas es bastante sensible.
El largo
total es de 144,58 m y de ancho 86,25m, la torre sur tiene una altura de
157,31m, la torre norte 157,38m, la torrecilla del canto 109m, el edificio
tiene un área de 7914m2
La
catedral tiene doce campanas, 4 de ellas de la época medieval, una llamada
Dreikonigenglocke “campana de los tres Reyes”, dos de las otras campanas, la
llamada Pretiosa y la Speciosa se instalaron en 1448 y ahí permanecen hasta la
actualidad. Después Andreas Hamm utilizó pedazos de artillería para hacer una
campana de 27.000 kilos el tono no era armonioso y se realizó otra, pero igual
no quedo bien.
CATEDRAL DE SIENA
La
catedral se encuentra ubicada en la Plaza de la Catedral, Plaza Jacopo Della
Quercia, Siena Italia, es el templo principal y sede episcopal de esta ciudad
italiana, está dedicada a Nuestra Señora de la Asunción.
La
catedral fue diseñada sobre la base de una estructura más antigua, y terminada
entre 1215 y 1263 por Giovanni Pisano, pertenece al estilo Gótico, presenta
planta de cruz latina con crucero, cúpula y un campanario. La base de la cúpula es octagonal. La
linterna de la corona fue añadida por el arquitecto barroco Gian Lorenzo
Bernini.
Las naves
se dividen mediante arcos de medio punto. El exterior e interior del templo
están decorados con un placado de mármol blanco y verdoso, forma unas rayas o
bandas horizontales. Blanco y negro son los colores simbólicos de Siena.
Hubo planes para hacer más grande la iglesia, que
fueron iniciados en 1339 Sin embargo,
las obras fueron abandonadas tras los estragos de la peste negra en 1348.
La fachada principal es una de las obras maestras
del gótico italiano. Se trata de una
fachada pantalla, el diseño geométrico
aparece enmascarado por una fastuosa decoración en la que intervienen
elementos arquitectónicos (pináculos y cresterías de complicado diseño)
En el frontón principal, de forma triangular puede
verse una bella imagen de la Coronación
de la Virgen, rodeada de un coro de ángeles
En el interior, llama la atención las bandas
alternas de mármoles blancos y oscuros, así como la compleja labor decorativa
del pavimento, en el que se muestran diversas y variadas escenas religiosas y
paganas, otra de las obras maestras que adornan la catedral es el famoso
púlpito, realizado por los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni.
Distribuidas por la catedral se admiran otras obras de arte, de algunos autores.
NICOLA PISANO
Nicola Pisano fue un escultor italiano, considerado uno de los últimos representantes
de la escultura medieval y a la vez es uno de los pioneros del Renacimiento. Su
obra del púlpito del baptisterio de Pisa, es considerarse como algo sin
precedentes en la escultura italiana. También realizó el púlpito de la catedral
de Siena, esta obra fue realizada con la ayuda de su hijo Giovanni Pisano. El
púlpito de baptisterio de Pisa, obra por la cual Pisano adquirió su fama, tiene una forma hexagonal, también es
el autor del Arca de Santo Domingo en la basílica de Santo domingo de Bolonia y de la Fontana Maggiore de
Perugia.
Su fecha de nacimiento y sus orígenes son inciertos.
Nació en Apulia, las únicas obras de su primer periodo que han sobrevivido son
dos cabezas de niño con un tenue efecto de claroscuro.
Pisano se trasladó a Pisa, donde nació su hijo
Giovanni. Hacia 1255 se le encargó el púlpito del baptisterio de Pisa, en este
púlpito, considerado una de sus obras maestras.
El púlpito se sostiene en una columna central, que
se apoya sobre un pedestal octogonal con esculturas de animales y telamones, y
envuelta por seis columnas de diferente altura, tres de las cuales están sobre
un león, mientras que las otras se sostienen sobre un el pedestal.
En 1264 se le encomendó el Arca de Santo Domingo en
la basílica de Santo Domingo de Bolonia. Pisano fue responsable del diseño,
aunque su trabajo en la construcción de la obra fue menor (en 1265 ya estaba
trabajando en el púlpito de la catedral de Siena).
Púlpito de la catedral de Siena,para acabar este
monumental sepulcro se necesitaron casi 500 años y el trabajo de notables
escultores como Arnolfo di Cambio, Guglielmo Agnelli.
GIOVANNI
PISANO
Giovanni Pisano fue un escultor italiano, pintor y
arquitecto. Hijo del famoso escultor Nicola Pisano, quién recibió su formación
en el taller de su padre.
En 1265-1268 trabajó con su padre en el púlpito de
la catedral de Siena. Luego trabajaron juntos en la Fontana Maggiore en
Perugia. Según Giorgio Vasari, diseñó a su vez la primera basílica de Santo
Domingo. Estas primeras obras se hicieron siguiendo el estilo de su padre. Es
difícil distinguir quién hizo cada cosa. Sin embargo la Virgen con Niño puede
atribuirse con certeza a Giovanni, mostrando un nuevo estilo con una cierta
familiaridad entre la Madre y el Niño.
Su siguiente obra fue en Pisa, esculpiendo las
estatuas en las dos filas de gabletes con tracerías en el exterior del
Baptisterio. La vivacidad de estas estatuas es una nueva confirmación de que
estaba dejando atrás el sereno estilo de su padre.
Fue nombrado al mismo tiempo arquitecto jefe de la
catedral de Siena entre 1287 y 1296. Las elegantes esculturas y el diseño
arquitectónico para la fachada de la catedral en Siena muestran sus tendencias
a mezclar el arte gótico con reminiscencias del arte romano.
En 1296 regresó a Pisa para empezar a trabajar en la
iglesia de San Juan. En 1301 continuó su obra en el púlpito para la Iglesia de San
Andrés en Pistoia. Los cinco relieves del púlpito son La Anunciación y La
Natividad; La Adoración, Sueño de los Magos y el Ángel advirtiendo a José; La
Matanza de los inocentes; La Crucifixión; y el Juicio Final.
Su trabajo entre 1302 y 1310 en el nuevo púlpito
para la Catedral de Pisa muestra su distintiva preferencia por el movimiento en
sus personajes, alejándose aún más del estilo de su padre.
Su última gran obra data probablemente de 1313
cuando hizo un monumento en memoria de Margarita de Brabante.
ARTESANOS
SEGLARES
Entre los siglos V y XII los monasterios fueron los
únicos reductos de la cultura en Europa occidental, posiblemente, durante los
primeros siglos de la edad media, la construcción estuvo encomendada a los
monjes acompañados de los hermanos legos que eran introducidos en el ámbito
monástico a causa de sus habilidades, todas estas actividades artísticas, más
que destinadas a la creación del arte, eran concebidas al servicio de las
comunidades religiosas y dentro del conjunto de sus actividades generales. El
peso de los monasterios no disminuyó, por el contrario los más prestigiosos de
entre ellos recibieron encargos reales para la realización de lujosos libros y
otras obras, el imperio carolingio propició la existencia de arquitectos y
artesanos seglares, que tomando por centro a Aquisigrán, acostumbraban a
adoptar una función itinerante, viajando y trabajando en monasterios de
diversos puntos de Europa.
El trabajo monástico en lo referente al arte dejo de
interno y muchos monasterios se convirtieron en centros de adiestramiento
artístico para artesanos.
El surgimiento de las ciudades medievales durante
los siglos XII y XIII cambió el panorama de la situación del artista-artesano,
durante esta transición hubo una rivalidad entre los centros de instrucción artística
de los monasterios y aquellos otros que la formación de las ciudades había
posibilitado., las ciudades se convirtieron en los arcos cobijadores del arte y
los seglares sustituyeron a los monjes en su realización y supervisión. El
románico dio paso al gótico y la construcción de monasterios e iglesias rurales
a la construcción de las grandes catedrales.
Asó concebido el arte gótico, primaba la
superioridad de la arquitectura sobre la pintura y la escultura, pintores y
escultores no realizaban obras al margen del proyecto arquitectónico.
A partir de finales del siglo XIII empezó un proceso
de emancipación de la escultura y de la pintura con respecto a la arquitectura.
PINTURA BUCÓLICA
El bucolismo es una temática habitual de la
literatura, la pintura y el teatro que suele ambientar en lugares naturales
rústicos como bosques y montañas, en cercanía de prados y agua, diálogos de
temática amorosa y disputas musicales protagonizadas por pastores, a veces
encubriendo personajes o historias de amor reales. En la literatura se refleja
a través de géneros como el idilio, la égloga, la serranilla, la pastorela, la
égloga dramática o farsa pastoril y la novela pastorilLas Bucólicas, las
Geórgicas y la Eneida.
Este manuscrito del siglo XV, conocido como el
Virgilio Riccardiano, incluye el texto de las tres obras que todavía sobreviven
del gran poeta romano Virgilio: las Bucólicas, las Geórgicasy la Eneida.
Además, contiene 88 pinturas en miniatura en el margen inferior de muchas de
las hojas de vitela. Las miniaturas (86 en la Eneida y otras dos, una en las
Bucólicas y otra en las Geórgicas) se atribuyen al artista florentino Apollonio
di Giovanni y a su taller. Aquellas que ilustran la historia de Eneas reflejan
la influencia de Benozzo Gozzoli, quien en 1459 completó una serie de frescos
en la Capilla de los reyes magos en el Palacio Médici Riccardi de Florencia,
pueden verse en las pinturas en miniatura, sobre todo en los trajes orientales
de muchas de las figuras representadas en la Eneida. Estos dibujos
deslumbrantes de las vestiduras, resaltadas en dorado, púrpura y rojo, con el
fondo arquitectónico de la ciudad de Florencia, conforman algunas de las
iluminaciones más bellas de la época. En las Bucólicas y las Geórgicas hay una
pintura en miniatura por cada texto y, en todo el volumen, hay numerosas
iniciales decoradas de varios tamaños, diseñadas con motivos de ramas y vides.
De las 88 miniaturas, 19 solo están parcialmente coloreadas o son dibujos en
espera de ser iluminados. Estas ilustraciones terminadas en parte ofrecen una
ventana a los métodos del artista y a una mejor comprensión del proceso de
creación de imágenes iluminadas.
INFLUENCIA BIZANTINA Y RELIGIOSA
La pintura bizantina es la manifestación pictórica
del arte bizantino. Como éste, evolucionó a partir del arte paleocristiano y
fijó su carácter desde el siglo VI (el de Justiniano I), continuando hasta el
fin del Imperio bizantino en el siglo XV, e incluso en la Edad Moderna con la
escuela cretense. También la pintura tradicional rusa y de otras naciones
eslavas es una prolongación de la bizantina.
La representación pictórica en la cultura bizantina
y en la cristiandad oriental ejercía una función particularmente importante,
pues se la consideraba materialización de la misma divinidad (revelación de lo
divino o teofanía), en algunos casos incluso con la consideración de
"realizada por manos no humanas. En la cristiandad occidental esa misma
función se reservaba más habitualmente a las reliquias.
Las principales técnicas de la pintura bizantina
fueron el mosaico, el temple sobre tabla
(iconos), el fresco y la iluminación de manuscritos.
Se distingue la pintura bizantina al mosaico por la
riqueza de materiales, con abundancia de oro (mosaicos vítreos y dorados) y
fastuosa ornamentación y la pobreza en el movimiento artístico. Las figuras de
los personajes se presentan ordinariamente alargadas, en pie y con los brazos
en actitud algo movida o llevando algún objeto. La túnica o vestimenta con que
aparecen cubiertas suele ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi verticales.
Pero el manto o capa los presentan más movidos y se recoge sobre el brazo
izquierdo de la figura. El continente de las personas se ostenta siempre
majestuoso, tranquilo y honesto; su mirada, de frente o a la derecha del
espectador; sus ojos, grandes y abiertos; sus pies, pequeños o estrechos y
terminados en punta.
Los mejores
mosaicos bizantinos que hoy se conservan en Oriente son: Santa Sofía de
Constantinopla, Salónica (San Jorge, Santa Sofía y San Demetrio), Catedral de Santa Sofía de Kiev.
PINTURAS NARRATIVA
Una pintura narrativa es aquella cuyo tema , generalmente de factura realista o en todo caso figurativa, cuenta o narra algo, o bien describe un hecho con más o menos detalle, así mismo los términos de pintura narrativa hace referencia a una historia contada a través de diversos significados pictóricos.
Una pintura narrativa es aquella cuyo tema , generalmente de factura realista o en todo caso figurativa, cuenta o narra algo, o bien describe un hecho con más o menos detalle, así mismo los términos de pintura narrativa hace referencia a una historia contada a través de diversos significados pictóricos.
Cada pintura evoca historias, en las pinturas
narrativas es más difícil para los espectadores entender, principalmente cuando
éstas son mostradas fuera de su contexto original. Al pasar el tiempo, los
espectadores se vuelven menos familiares con la literatura y las convenciones
artísticas del pasado.
En el siglo XVIII hubo gran polémica sobre la cuestión
de cómo debían los pintores elegir el instante apropiado de una narrativa, la
pintura podría mostrar momentos que incluyeran lo que acababa de pasar e
implicaba que algo estaba a punto de suceder, tales pinturas so serían
realmente instantes sino algo más como momentos pivotes.
En la cultura de Occidente de aproximadamente 1500
en adelante las historias pintadas mostraban representaciones como eventos de
la biblia, de la mitología clásica, de la literatura, o eventos históricos,
fueron la categoría más significativa e importante de la pintura.
La escena se desarrolla parcialmente en un espacio
arquitectónico, construido según las leyes de la perspectiva; más renovador es
el paisaje del lago y de las colinas que se despliega en profundidad en
tonalidades suaves y que ayuda a destacar, por contraste, las figuras
coloreadas de Cristo y de los apóstoles en el primer plano de la escena.
PINTURA
CIMABUE
Cenni di Pepo Cimabue también conocido como Bencivieni di Pepo fue
un pintor y creador de mosaicos florentino. Se le considera iniciador de la
escuela florentina del Trecento
Nació en Florencia y murió en Pisa. Su carrera fue
descrita por Giorgio Vasari en sus Vidas de los más famosos pintores,
escultores y arquitectos, ampliamente
considerada como el primer libro de la Historia del arte, aunque fue terminado
más de doscientos años después de la muerte de Cimabue. Aunque es uno de los
primeros documentos que se tienen sobre él, su exactitud es insegura.
Debido a la escasa documentación que queda, no se
sabe mucho de su vida. Las noticias ciertas sobre su vida, apoyadas en
documentos, son pocas.
Cimabue parece haber sido un artista muy considerado
en su día. Mientras trabajaba en Florencia, Duccio fue el principal artista, y
quizás su rival, en la cercana Siena. Cimabue recibió el encargo de pintar dos
frescos muy grandes para la Basílica de San Francisco de Asís. Están en las
paredes de los transeptos: una Crucifixión y un Descendimiento.
Desafortunadamente, estas obras ahora son débiles sombras de su apariencia
original. Durante la ocupación del edificio por las tropas invasoras francesas,
prendió fuego la paja y dañó seriamente los frescos. El albayalde o blanco de
plomo se oxidó y ennegreció, dejando las caras y gran parte del ropaje en
negativo. Otra obra dañada es el gran Crucifijo de Santa Croce en Florencia.
Fue la mayor obra de arte dañada en las inundaciones de Florencia del año 1966.
Al final de su vida trabajó en los mosaicos del ábside de la catedral de Pisa,
ciudad en la que murió
Se le considera como el último gran pintor de la
tradición bizantina. Cimabue aseguró la
renovación de la pintura bizantina rompiendo con su formalismo e introduciendo
los elementos del arte gótico, como el realismo de las expresiones de los
personajes.
PINTURAS DE
DUCCIO
Duccio di Buoninsegna fue probablemente el artista más influyente
de Siena, Italia, de su tiempo. Se le considera como uno de los más influyentes
en la formación del estilo gótico internacional. Primer pintor destacado de la
escuela sienesa, fue también inspirador de otros miembros de la misma, como
Simone Martini y los hermanos Ambrogio y Pietro Lorenzetti, entre otros.
Su producción segura, no muy abundante, incluye la
Madonna Rucellai (1285) en Santa María Novella (ahora en los Uffizi,
Florencia), y la Maestà (1308-1311) para la catedral de Siena, considerada como
su obra maestra. Originalmente se llevaba en procesión por las calles de la
ciudad. Significó un importante paso adelante en el estilo pictórico y en la
narración de historias a través de arte visual. Esta gran obra, formada por múltiples
imágenes, fue desmembrada en siglos posteriores y sus escenas menores se
dispersaron por varios países.
Otras obras de artista se conservan en el Reino
Unido, tanto en la National Gallery de Londres como en Hampton Court (Royal
Collection de Isabel II).
El único ejemplo de Duccio en España es la tabla
Cristo y la samaritana (Museo Thyssen-Bornemisza), que formó parte de la Maestà
de Siena.
Su Madonna con el Niño (Madonna Stroganoff), pintada
sobre tabla alrededor del año 1300, fue adquirida en noviembre de 2004 por el
Metropolitan Museum of Art de Nueva York por una suma que se calcula en 45
millones de dólares, la compra más cara del museo. En 2006 James Beck, un
erudito de la Universidad de Columbia, afirmó que cree que la pintura es una
falsificación del siglo XIX; el encargado del Metropolitan Museum para Pintura
Europea ha discutido dicha afirmación.
Sus trabajos están caracterizados en todos los casos
por la sensibilidad del dibujo, la habilidad de la composición, una calidad
decorativa similar a los mosaicos y una intensidad emocional mayor que la que
podemos ver en las obras bizantinas.
PINTURAS DE
SIMONE MARTINI
Martini fue uno de los grandes pintores del Trecento
en Italia. Fue una figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura
italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico
internacional. Tuvo dominio del color. Elementos esenciales de su estética son
su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas de la
Escuela de miniaturistas de París.
El estilo de
la escuela sienesa y de Simone Martini se manifestó en el amaneramiento y la
estilización de las figuras, así como en el uso de los fondos ornamentales
dorados y de una gama de color subjetiva que proporcionan una notable
expresividad lírica a las composiciones.
Se desconoce el lugar y la fecha de su nacimiento,
aunque es probable que viera la luz en Siena hacia el año 1285. Se cree que
Martini fue un alumno de Giotto di Bondone, el pintor florentino más destacado
de su época. Su vida, pues, permanece en la más absoluta oscuridad hasta que en
1315 recibe el encargo de pintar al fresco una Maestà para el Palazzo Público
de Siena o ayuntamiento de Siena. Dicho encargo permite suponer que en aquella
fecha Martini gozaba ya de un gran prestigio, comparable al de Duccio, Simone Martini
tuvo varios encargos. El estilo de Simone contrastaba con la sobriedad y la
monumentalidad del arte florentino, y destaca por sus rasgos decorativos,
suaves, estilizados, la sinuosidad de la línea y una elegancia cortesana no
sobrepasada.
Las principales obras de Simone incluyen la Maestà
(1315) en el Palacio Comunal en Siena, San Luis de Tolosa coronando a Roberto
de Anjou, rey de Nápoles del Museo de Capodimonte en Nápoles (1317), el
Políptico de S. Caterina en Pisa (1319) y la Anunciación entre los santos
Ansano y Margarita en los Uffizi de Florencia (1333), así como frescos en la
Capilla de San Martín en la iglesia inferior de la Basílica de San Francisco de
Asís.
PINTURAS DE GIOTTO
Giotto di Bondone, más conocido solo por su nombre
de pila, fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se
lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación
del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del
arte y los conceptos medievales. Se dedicó fundamentalmente a pintar temas
religiosos, siendo capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de
sangre y fuerza vital. Giotto nació, en Colle de Vespignano, un pueblo cercano a Florencia. Según su
principal biógrafo, Giorgio Vasari, era hijo de un campesino llamado Bondone, y
pasó su infancia como pastorcillo en los campos.
Existen controversias acerca de su año de
nacimiento, aunque lo más probable es que naciera en 1266 o 1267. Según sus
biógrafos, fue discípulo del pintor florentino Cimabue, el artista más conocido
de su época. Vasari relata el modo en que el pequeño de once años demostró por
primera vez s talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas
ovejas, mataba el tiempo dibujando a una de ellas sobre una piedra plana con
una tiza. Entre sus obras esta Escenas de la vida de San
Francisco, en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo.
Provisto de su talento natural y de las enseñanzas
de Cimabue, Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros,
principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras
dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís, más adelante,
entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada
por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia, acerca de la vida
de San Francisco de Asís. Vistos los excelentes resultados, se le solicitó que
pintara entre 1305 y 1306 los
extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua.
PINTURAS
DE GOTICO PAISES BAJOS
Las regiones que definimos como Países Bajos abarcan
Bélgica y Holanda, así como lo que hoy constituyen las zonas más
septentrionales de Francia. Durante el periodo histórico de la Edad Media todas
estas zonas formaban una única unidad cultural a pesar de su diferencia
idiomática y política. En cuanto a éste último punto, en el Condado de Flandes
se hablaba neerlandés y era gobernado por el rey de Francia. La región de
Hainault, que era francófona, pertenecía al Sacro Imperio Germánico, lo mismo
que las zonas de habla neerlandesa de Brabante y Holanda.
Debemos destacar la bonanza económica que se produce
en estos territorios a partir del siglo XIII con la producción de paño y lana,
que fue clave para el desarrollo de la arquitectura y del arte en general. Ésta
riqueza creó un deseo de representación que se dio, sobre todo, en la
construcción de grandiosos edificios de suntuosa ornamentación. Para la
construcción de estos edificios se utilizó la piedra de diversas canteras de
las regiones que disponían de ellas, sin embargo, en las regiones costeras se
desarrolló una escuela constructiva muy destacable en torno al ladrillo.
La arquitectura Gótica en los Países Bajos se halla
en íntima relación con la que se dio en Francia durante los s. XIII y XIV. Ya
en la segunda mitad de este último siglo y en el s. XV, esta influencia se vio
mediatizada por las aportaciones del arte alemán y del inglés, a pesar de que
en los Países Bajos no aparecerán elementos tan característicos como las bóvedas
de abanico.
Además de la arquitectura religiosa, uno de los
capítulos más interesantes relativos a la arquitectura gótica flamenca se halla
representada por los edificios de carácter civil, las casas de fachada con
piñón escalonado, apreciable en el magnífico conjunto urbano de Brujas.
PINTURAS DE JAN VAN EYCK
Jan van Eyck fue un pintor flamenco que trabajó en
Brujas. Está considerado uno de los mejores pintores del Norte de Europa del
siglo XV y el más célebre de los Primitivos Flamencos. Robert Campin, que
trabajó en Tournai y los hermanos Van Eyck en Flandes, fueron las figuras de
transición desde el gótico internacional hasta la escuela flamenca. El estilo
flamenco que se dio en los Países Bajos en el siglo XV.
Jan van Eyck pertenecía a una familia de pintores. A
menudo se ha relacionado con el pintor Hubert van Eyck, al que se considera su
hermano, debido a que se cree que ambos provenían de la misma ciudad.
Se desconoce la fecha del nacimiento de Van Eyck. Se
fija el lugar de nacimiento de Jan van Eyck en Maaseik, nada se sabe sobre su
formación como artista, ni siquiera si fue en Francia o en su tierra natal.
Probablemente su formación fue en el campo de la miniatura, de la cual aprendió
el amor por los detalles diminutos y por la técnica refinada, que se refleja
incluso en las obras pictóricas.
Cuadros de Jan van Eyck Anunciación, Galería
Nacional de Arte (Washington D. C.).
Dejando a un lado su obra más conocida, el Políptico
de Gante, la obra de Jan van Eyck está formada sobre todo por representaciones
de Virgen María y de retratos.
Una de las principales tablas de Van Eyck es su
Virgen en una iglesia, que evoca un interior iluminado con una luz preciosa e
inmaterial que suscitó gran admiración; hubo dos copias de esta obra, que se
debe a Gossaert y el conocido como Maestro de 1499.
A Jan van Eyck se le considera el fundador del
retrato occidental. Sus modelos casi siempre están representados en busto; la
cara, vistos tres cuartos, se vuelve hacia la izquierda, y los ojos fijan a
menudo al espectador, lo que constituía en la época una innovación radical.
PINTURAS DE ROGIER VAN DER WEYDEN
Rogier van der Weyden, también conocido como Rogier
de la Pasture, fue un pintor primitivo flamenco. Formado en el taller de Robert
Campin, en 1435 fue nombrado pintor de la ciudad de Bruselas. Aunque gozó de
considerable prestigio en vida y fue uno de los más influyentes artistas de su
tiempo, no se conocen pinturas firmadas ni existe documentación precisa sobre
contratos o recibos de pago que permitan asignarle con entera certeza ninguna
obra. Las atribuciones se han hecho tomando como punto de partida tres tablas
(Tríptico de Miraflores, Descendimiento del Museo del Prado y Calvario del
Monasterio de El Escorial) relacionadas de antiguo con Van der Weyden y de las
que se puede seguir el rastro hasta los siglos XV o XVI. Entre las obras
atribuidas, junto con pinturas religiosas y de devoción, a menudo formando
trípticos que en algún caso alcanzan grandes dimensiones, se encuentran
retratos de personajes de la corte de Borgoña, que con frecuencia se presentan
también como retratos de devoción en forma de dípticos, y una miniatura, la que
sirve de frontispicio de las Chroniques de Hainaut de Jean Wauquelin, cercana a
algunos pequeños trabajos sobre tabla como la Virgen entronizada del Museo
Thyssen-Bornemisza o el San Jorge y el dragón de la National Gallery of Art.
Además, pudo proporcionar los dibujos empleados en la ejecución de retablos
esculpidos en madera, como el de la iglesia de la Asunción de Laredo, o en
bordados y tapices como el de la historia de Jefté.
Capaz de crear apariencia de vida gracias a la
extraordinaria minuciosidad con que aborda los detalles menudos, como las
lágrimas que escurren por las mejillas, los bordados de un tejido o la sombra
de las barbas mal afeitadas, Van der Weyden rompe en su pintura con los límites
entre lo real y lo esculpido al situar con frecuencia a sus figuras en espacios
inverosímiles o irreales, con escalas contrarias a la lógica y, sin embargo,
intensamente emotivas y de gran fuerza estética por la armonía de sus
composiciones.
PINTURA DE HERONIMO VAN AKEN
Fue un pintor neerlandés. Heronimo Van Aken nació
probablemente alrededor de 1450, quizá el 2 de octubre, y muy probablemente
(aunque no está documentado) en la ciudad flamenca de llamada Den Bosch.
Sus cuadros están protagonizados por la Humanidad
que incurre en el pecado y es condenada al infierno. La única vía que parece
sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de
santos que, dedicados a la meditación, deben ser modelo de imitación, aunque
estén rodeados por el mal. Ejemplo de ello son las tablas con la Pasión de
Cristo a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para
rescatar del pecado universal al género humano.
Sus figuraciones y técnicas son notablemente
diferentes de las empleadas por otros maestros flamencos. Técnicamente pintaba
con la primera pincelada sobre el lienzo y aplicando nuevas capas de pintura
sobre otras todavía húmedas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras
demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución;
innovó también en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y
atrevidas.
En cuanto a la figuración, el Bosco se destaca por
representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables. En sus
obras abundan el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica. Tanto en las
pinturas de asunto religioso como en las de tema profano introdujo todo un
mundo de seres, tanto normales como monstruosos, presentados en actitudes
expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la
comprensión cabal de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, poblado
de figuras fantásticas que parecen surgidas de una pesadilla infernal (Las
Tentaciones de san Antonio, Tríptico del Juicio Final) anuncia el espíritu de
Bruegel; incluso los temas religiosos (La coronación de espinas, Ecce Homo)
están deformados por un cruel frenesí de gesticulaciones.
Peter Brueghel llamado el Viejo, fue un pintor y
grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores Brueghel, es
considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI, y el más importante
pintor holandés de ese siglo. Con Jan Van Eyck, Jerónimo Bosco y Pedro Pablo
Rubens, está considerado como una de las cuatro grandes figuras de la pintura
flamenca
Entre otros datos, el lugar y la fecha de su
nacimiento se prestan frecuentemente a conjeturas. Para calcular la fecha de su
nacimiento se tienen en cuenta dos hechos. El primero, que se sabe cuándo
murió, en 1569, y que se produjo «en la flor de la vida lo que quiere decir entre los 35 y 45 años.
El segundo, que fue admitido como maestro en los liggeren («registros») del
gremio de San Lucas en Amberes en 1551, siendo así que esto solía ocurrir entre
los 21 y 25 años. Con ello se puede situar la fecha de nacimiento de Brueghel
entre 1525 y 1530.
También es insegura la ortografía exacta de su
apellido, siendo las formas más frecuentes Brueghel, tampoco es seguro que
adoptase ese apellido por ser el del lugar de nacimiento.
Brueghel es conocido por sus paisajes, género en el
que alcanzó una notable importancia. Se le suele considerar como el primer
artista occidental que pintó paisajes por sí mismos, en lugar de como telón de
fondo de alegorías religiosas. En la naturaleza encontró Brueghel su mayor
inspiración siendo identificado como un maestro de paisajes. Se caracterizan
por una amplia panorámica vista desde lo alto. Así se aprecia en obras como
Combate naval en el puerto de Nápoles, Camino del Calvario o la serie de las
Estaciones. Creaba una historia, al parecer combinando varias escenas en una
sola pintura. Sus paisajes del invierno de 1565 (por ejemplo, Los cazadores en
la nieve) corroboran la dureza de los inviernos durante la Pequeña Edad de
Hielo.
BIBLIOGRAFÍA
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